15 movimientos de arte y diseño influyentes que debes conocer

Página 1 de 3: Movimientos artísticos de principios del siglo XX Movimientos de arte y diseño: enlaces rápidos

01. Impresionismo
02. Artes y manualidades
03. Art Nouveau
04. Cubismo
05. Futurismo
06. Constructivismo
07. Bauhaus
08. Arte deco
09. Surrealismo
10. Expresionismo abstracto
11. Diseño suizo / ITS
12. Arte pop
13. Minimalismo
14. Posmodernismo
15. Memphis

Como diseñador, la inspiración puede venir de cualquier parte. Pero a veces las influencias, las actitudes y los enfoques convergen para formar un movimiento coherente que tiene un efecto dominó en todo el mundo.



funda macbook pro 13 y cubierta de teclado

Ha habido cientos de movimientos de arte y diseño de diferentes tamaños e importancia a lo largo de los siglos, algunos centrados en el estilo o el enfoque de un colectivo particular de artistas en un lugar particular, otros abarcando muchas disciplinas creativas y mucho más orgánicos en términos de interpretación. .



Ya sea que sucedieron hace 150 años o hace 30 años, el impacto de muchos de estos todavía se siente hoy en día; es posible que incluso haya sentido su influencia sin saberlo. Estas cosas a menudo se mueven en ciclos, particularmente con la tendencia contemporánea de estética retro. Así que un poco de conocimiento de la historia del arte es muy útil.

Hay ciertos movimientos de arte y diseño con los que los creativos deben estar familiarizados. Siga leyendo para conocer nuestra guía completa de 15 de los movimientos de arte y diseño más influyentes del siglo XX.



Los hemos puesto en orden cronológico, con los ejemplos en página 2 y página 3 más relevantes para los diseñadores gráficos, y los de esta página y la página 2 probablemente inspiren a más artistas e ilustradores. Utilice el menú de enlaces rápidos para ir directamente a la sección que le gustaría explorar primero, o desplácese para leerlos en orden.

Haga clic en el icono en la parte superior derecha de la imagen para ampliarla.

01. Impresionismo y postimpresionismo

Atardecer en el río en Lavacourt, efecto de invierno (1882) de Claude Monet



Sunset on the River en Lavacourt, Winter Effect (1882) demuestra el talento de Claude Monet para capturar la luz y el color

Desarrollado principalmente en Francia a fines del siglo XIX, el impresionismo fue un movimiento de bellas artes en el que un pequeño grupo de pintores evitó el énfasis tradicional en el tema histórico o mitológico a favor de representar la realidad visual, y particularmente la naturaleza transitoria de la luz. color y textura.

Siete pintores estuvieron en el centro de este movimiento de enorme influencia: Claude Monet , Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Armand Guillaumin y Frédéric Bazille - y trabajaron y expusieron juntos.

Los impresionistas abandonaron la paleta establecida de verdes, marrones y grises apagados por sus paisajes en favor de una gama de colores mucho más brillante y expresiva en un intento de representar condiciones como la luz del sol moteada y los reflejos en el agua ondulada.

convertir la foto del día en la noche en línea

En lugar de grises y negros para las sombras, utilizaron una amplia gama de colores complementarios, y los objetos se representaron con toques de pintura en lugar de definirlos con un contorno duro.

Naturaleza muerta, jarra y fruta (1894) de Paul Cezanne

Un icono del estilo postimpresionista: Bodegón, jarra y fruta de Paul Cezanne (1894)

El posimpresionismo adoptó muchos de los principios de su movimiento predecesor, al tiempo que rechazó algunas de sus limitaciones. Pintores como Paul Cézanne , Georges Seurat, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec utilizaron paletas de colores brillantes y igualmente puros y pinceladas cortas y expresivas, pero también buscaron elevar el trabajo a algo menos transitorio y experimental.

En lugar de las condiciones cambiantes de la luz natural y su efecto sobre el color, Cézanne y los demás postimpresionistas se centraron más en objetos sólidos y permanentes, con pinturas de naturaleza muerta, como Jarra y fruta de Cézanne y Girasoles de van Gogh, emblemáticas de el movimiento.

02. Artes y oficios

Papel pintado Strawberry Thief de William Morris

El famoso fondo de pantalla Strawberry Thief de William Morris es un ejemplo perfecto de la estética Arts and Crafts

Como reacción al aumento de la producción en masa (y el correspondiente declive de la artesanía artesanal) durante la Revolución Industrial, hubo un resurgimiento del interés por las artes decorativas en toda Europa en la segunda mitad del siglo XIX, adecuadamente conocido como el movimiento Arts and Crafts. .

A la vanguardia de este nuevo movimiento estaba el reformador, poeta y diseñador William Morris, quien formó un colectivo de colaboradores en la década de 1860 para tratar de despertar la calidad artesanal de la época medieval. Produjeron hermosos trabajos en metal, joyas, papel tapiz, textiles y libros.

En 1875, este colectivo se conoció como Morris and Company, y en la década de 1880 la actitud y las técnicas que practicaron habían inspirado a toda una nueva generación de diseñadores, y nació el movimiento Arts and Crafts.

Si bien muchos criticaron la practicidad de artesanías tan intrincadas en el mundo moderno e industrializado, la influencia del movimiento perdura hasta el día de hoy.

03. Art Nouveau

Detalle de House for an Art Lover en Glasgow, diseñado por Charles Rennie Mackintosh

Detalle de House for an Art Lover en Glasgow, diseñado por Charles Rennie Mackintosh en 1901, pero construido en la década de 1990

Después del movimiento Arts and Crafts, Art Nouveau fue un movimiento principalmente ornamental tanto en Europa como en los EE. UU. Una característica distintiva del estilo es el uso de líneas orgánicas asimétricas en lugar de formas sólidas y uniformes, aplicadas en arquitectura, interiores y joyería, así como carteles e ilustraciones.

Se utilizaron de forma expresiva intrincados herrajes, vidrieras, cerámicas y ladrillos ornamentales, con líneas de forma libre que priman sobre cualquier elemento pictórico en los diseños, que a menudo se inspiraban en formas delicadas que se encuentran en la naturaleza, como tallos de flores, enredaderas, enredaderas, zarcillos e insectos. alas.

El arquitecto y diseñador escocés Charles Rennie Mackintosh fue un destacado exponente del movimiento Art Nouveau, así como el artista gráfico checo Alphonse Mucha y el icónico arquitecto y escultor español Antonio Gaudí, cuya obra maestra, La Sagrada Familia de Barcelona, ​​ha sido famosa en construcción para más de 130 años.

F. Champenois de Alphonse Mucha

Esta sorprendente obra de arte Art Nouveau de Alphonse Mucha se utilizó para promocionar la imprenta F.Champenois

Las impresionantes obras de arte de Mucha, muchas de las cuales eran encargos comerciales para clientes publicitarios, combinaban las fluidas líneas orgánicas y los motivos naturales del estilo Art Nouveau con sensuales retratos de mujeres.

Si bien el estilo decorativo pasó de moda después de 1910, experimentó un resurgimiento en la década de 1960 gracias a una serie de importantes exposiciones en Londres, París y Nueva York, que ayudaron retrospectivamente a elevar un estilo que alguna vez se consideró una moda pasajera al estado de un movimiento internacional que influyó en la moda, el diseño musical y la publicidad.

04. Cubismo

Les Demoiselles d

cómo usar huion h610 pro
La obra de 1907 de Pablo Picasso Les Demoiselles d'Avignon es posiblemente el ejemplo más famoso del cubismo

Dos artistas fueron fundamentales en la fundación del movimiento cubista: Pablo Picasso y Georges Braque. A diferencia de los intentos expresivos de capturar las condiciones naturales en el impresionismo y el posimpresionismo, el cubismo se trataba de objetos planos, bidimensionales y distorsionados, sacrificando una perspectiva precisa en favor de la fragmentación surrealista.

El nombre proviene de un comentario despectivo del crítico de arte Louis Vauxcelles, quien describió la obra de Braque de 1908 Houses at L'Estaque como 'compuesta de cubos'. Pero fueron Las señoritas de Aviñón de Picasso, pintadas el año anterior, las que pusieron las ruedas en movimiento, representando cinco desnudos femeninos como formas angulares y fracturadas.

Mientras Braque y Picasso continuaron explorando cómo las formas abstractas podrían usarse para definir objetos familiares, el período de 1910-1912 a menudo se conoce como cubismo analítico. Prevaleció una paleta distintiva de bronceado, marrón, gris, crema, verde y azul, y los temas comunes incluyeron instrumentos musicales, botellas, periódicos y el cuerpo humano.

Después de 1912, esto evolucionó hacia el cubismo sintético, donde se combinan múltiples formas dentro de las obras de arte cada vez más coloridas, que hicieron uso de técnicas de collage para explorar la textura. El lenguaje visual definido por Braque y Picasso fue posteriormente adoptado por muchos otros pintores, y también influyó en escultores y arquitectos como Le Corbusier.

05. Futurismo

La risa (1911) de Umberto Boccioni

cómo dibujar personajes de d & d
Representando las sensaciones derivadas de la observación de la vida moderna, The Laugh (1911) de Umberto Boccioni es considerada su primera obra verdaderamente futurista.

Fundado en Italia a principios del siglo XX, el futurismo intentó capturar el ritmo, la vitalidad y la inquietud de la vida moderna a través de obras de arte altamente expresivas que finalmente glorificaron la guerra, el fascismo y la era de las máquinas. El estilo estético se extendería más tarde por Europa y, en particular, por Rusia.

El movimiento fue anunciado oficialmente en 1909 cuando el periódico parisino Le Figaro publicó un manifiesto del poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien acuñó el término para describir cómo su obra celebraba el progreso social y la innovación cultural.

Se colocó sobre un pedestal tecnología de vanguardia como el automóvil, mientras que los valores tradicionales y las instituciones históricas como museos y bibliotecas fueron repudiados agresivamente.

Bombardeo aéreo (1932) de Tullio Crali

Bombardamento Aereo, de Tullio Crali (1932) es una obra futurista tardía que glorifica la velocidad y la mecánica de la guerra aérea.

Dos de los principales defensores del futurismo, Umberto Boccioni y Antonio Sant'Elia, murieron en combate en 1916. Sin embargo, la estética se expresaría en la arquitectura moderna, a medida que las visiones de ciudades mecanizadas definidas por rascacielos se hicieran realidad. mientras que artistas como Tullio Crali mantuvieron el estilo hasta la década de 1930.

Siguiente página: Movimientos de arte y diseño de mediados del siglo XX

Página actual: Movimientos artísticos de principios del siglo XX

Siguiente página Movimientos de arte y diseño de mediados del siglo XX