15 formas de mejorar la animación de tu personaje

Mientras los humanos se han arrastrado sobre la superficie de la tierra, hemos mantenido una fascinación por el arte y el movimiento. Los primeros dibujos rupestres muestran que incluso el hombre primitivo intentaría dar la ilusión de movimiento colocando las extremidades en sus bocetos de animales.

Avance rápido a la década de 1800 e incluso antes de la invención de la cámara cinematográfica, Edward Muybridge usaba fotografías tomadas secuencialmente para ayudar a estudiar el movimiento humano y animal, imágenes que todavía se utilizan con frecuencia en la actualidad.

Mejora tus habilidades

En estos días estamos rodeados de animación de una forma u otra, sea este cine, televisión o métodos más tradicionales. Entonces, con la animación a nuestro alrededor, ¿cómo puedes destacar como animador entre la multitud y mejorar tus propias habilidades?



Lo que sigue son 15 consejos para mejorar la animación de tu personaje. Aunque algunos de estos están destinados a la animación 3D, la mayoría también se pueden aplicar a otros géneros más físicos.

01. Observa personajes de la vida real

Dar vida a un objeto que alguna vez fue inanimado puede parecer una tarea sencilla, pero son esos matices sutiles los que pueden ayudar a retratar la emoción y dar una verdadera sensación de pensamiento y consideración detrás de cada movimiento.

Observar a las personas, cómo interactúan, cómo se expresan e incluso cómo se mueven es esencial para ayudarlo a comprender bien, no solo el movimiento, sino también el tiempo y el peso. ¿Por qué no tomarse un tiempo para salir, tomar un café y observar el mundo que lo rodea? (No te estás saltando el trabajo, ¡es una investigación!)

02. Estudia la psicología del movimiento.

Para imitar verdaderamente a alguien, primero debes comprender sus movimientos, no solo el proceso de movimiento sino también la intención. No estoy sugiriendo que dejes todo y te matricules en tu universidad local, sino que investigues un poco.

Todo lo que hacemos tiene un propósito, y la forma en que posamos y nos sostenemos puede decir mucho. Comprender los procesos de pensamiento detrás de por qué hacemos lo que hacemos, y cuándo, lo ayudará a compartir esto a través de su animación.

03. Busque referencias del mundo real

Coge un espejo y usa tu propia cara como referencia

Coge un espejo y usa tu propia cara como referencia

A la hora de animar el rostro es fundamental tener algo sólido a lo que referirse. Cuando se trabaja con artistas de locución, la mayoría de los mejores estudios de animación los grabarán mientras establecen el audio de sus personajes. Luego, este video se pasa a un animador para que lo consulte mientras trabajan, lo que les permite capturar las expresiones de los actores mientras hablan y se emocionan.

Si esta no es una opción, ¿por qué no usar su propia cara como referencia? Tome un espejo y repita las palabras, o incluso simplemente vuelva a crear expresiones clave que le brinden un buen punto de partida para trabajar.

04. Filme usted mismo

Actuar la escena usted mismo puede darle el punto de partida que necesita

Actuar la escena usted mismo puede darle el punto de partida que necesita

Nunca puede tener una buena idea de la forma en que una determinada animación debe reproducirse mientras está sentado en un escritorio, y las referencias en línea solo pueden llevarlo hasta cierto punto. Para entender cómo y por qué un personaje debe moverse de la forma en que lo hace, ¿por qué no grabarse a sí mismo realizando esa acción?

Todos tenemos acceso a cámaras de video en estos días, de hecho, la mayoría las tenemos en nuestros bolsillos. Entonces, en lugar de simplemente usar sus teléfonos para selfies y Facebook, ¿por qué no levantarse de su asiento y grabarse en acción?

Represente la escena usted mismo, y no importa cuán áspero y vergonzoso pueda parecer, esta grabación le brindará un bloque de inicio esencial para luego trabajar. Poder pausarlo, rebobinarlo y revisarlo en cámara lenta asegura que capturará todas las sutilezas que de otro modo se perderían.

05. Mantenga su plataforma simple

Animar con éxito en 3D no se debe solo al talento del animador. La mayor parte de lo que pueden lograr depende en gran medida de la plataforma que están utilizando. Un sistema rápido y genérico te dará las principales herramientas para usar, pero para darle a tu personaje esa ventaja, el equipo debe adaptarse a las necesidades específicas del animador.

Una plataforma poco profesional también puede aumentar la carga de trabajo del animador. Si gran parte de la mecánica y los sistemas subyacentes son fácilmente accesibles, podrían editarse accidentalmente, lo que provocaría un equipo roto.

Las mejores plataformas son las que dejan al animador para animar. Simplemente recogen al personaje y lo mueven sin ningún sistema complicado con el que lidiar, o viajes constantes al artista técnico porque la mandíbula está repentinamente en el otro lado de la escena y no saben por qué.

06. La clave de formulario plantea primero

Ver un montón de polígonos o arcilla cobrar vida repentinamente y mostrar emoción es realmente gratificante, pero eso no significa que deba apresurarse y concentrarse en cada pose en detalle, refinándola antes de pasar a la siguiente. Trabajar en un área pequeña a la vez significará que no está viendo la imagen más grande y esto puede resultar en que la secuencia no sea tan fluida o natural como debería ser.

Seguir un sistema de capas garantiza que no pierda un tiempo precioso. La primera capa debe ser poses rápidas en fotogramas específicos, para tener una idea de la sincronización. Luego, una vez que los haya clavado, puede seguir y repetir el proceso, agregando más y más detalles con cada nueva pasada.

07. Lidera con los ojos

Si observa a las personas a medida que avanzan en su vida diaria (no como un acosador, sino de pasada), notará que con cada movimiento con propósito viene una secuencia específica.

Primero los ojos se mueven hacia donde quieren ir, luego la cabeza sigue y luego el cuello. Esto continúa por el cuerpo hasta que finalmente se mueven hacia donde se dirigió su enfoque.

Los ojos son lo que más nos atrae cuando miramos a alguien y, en la mayoría de los casos, también son lo primero que se mueve antes que el resto del cuerpo.

como hacer un perro de verdad

08. Estudia los efectos de la gravedad

La gravedad tiene un efecto en cada uno de tus personajes.

La gravedad tiene un efecto en cada uno de los movimientos de tu personaje.

La gravedad lo afecta todo, a menos que estés en el espacio. A medida que envejecemos, estamos en una lucha constante por mantenernos erguidos, lo que nunca se nota más que a través de nuestras partes sueltas y tambaleantes. Es esta atracción gravitacional, combinada con nuestra propia masa física, lo que es crucial para capturar en cada movimiento.

Caminar, por ejemplo, es un movimiento simple, pero gran parte de cómo nos movemos está dictado por nuestra propia constitución física. Si usted es alto y delgado, entonces puede ser más ligero en sus pies, mientras que alguien con una figura más completa tendrá una caída de pie más pesada, con la cintura más inclinada mientras intenta levantar la parte superior del cuerpo.

Esto puede parecer un consejo obvio, pero es importante. Recuerda darle peso a tu animación.

09. Calcula los movimientos de tu personaje

El mundo está gobernado por el tiempo. Aunque nuestros días son diferentes, todos nos movemos con el sonido del mismo reloj. En lo que respecta a la animación, esta vez está bajo su control. Sin embargo, utilícelo de manera irresponsable y los resultados pueden ser difíciles de leer y terminar dando al espectador una impresión equivocada.

Los movimientos más felices y alegres suelen ser rápidos y bruscos; por eso funcionan bien en los dibujos animados. También pueden ayudar a agregar exageración a un movimiento y también agregar énfasis a medida que el héroe retrocede lentamente para potenciar el golpe, que termina en un instante.

Los movimientos más lentos pueden significar lo contrario y, a menudo, se utilizan para mostrar que el personaje se siente deprimido o molesto.

10. Mantén tu carácter equilibrado

Una de las primeras cosas que aprendemos de niños es cómo ponernos de pie y dar nuestros primeros pasos. Hacer esto no es tarea fácil, ya que requiere fuerza y, lo más importante, equilibrio. Con cada paso, aprende a cambiar su centro de gravedad para asegurarse de no caer. El centro de gravedad también es un elemento importante para llevar a la animación.

Intente pararse con los pies separados y levante la pierna derecha del piso, pero hágalo mientras mantiene la cintura quieta. Es difícil resistir la tentación de mover la cintura sobre el pie izquierdo para evitar que se caiga.

Cuando haces esto, estás cambiando tu centro de gravedad para mantener el equilibrio. Y, por supuesto, si tienes que hacerlo en la vida real, tendrás que asegurarte de que tus personajes también lo hagan.

11. Reciclar animaciones básicas

Mantenga las animaciones básicas en espera para tener más tiempo para concentrarse en las sutilezas

Mantenga las animaciones básicas en espera para tener más tiempo para concentrarse en las sutilezas

Este consejo en particular solo funciona realmente cuando se anima en el mundo virtual, pero es importante guardar las animaciones básicas y mantener un stock saludable de ellas a mano.

Incluso si es un ciclo básico de caminar o correr, puedes llevarlo a la escena cuando trabajes en un nuevo personaje y darte una ventaja.

Una vez que haya aplicado este movimiento base, con todas las poses principales y fotogramas clave en su lugar, puede dedicar más tiempo a ajustar el tiempo, el peso y el estilo para adaptarse a la personalidad de ese personaje en particular.

12. Usa un modelo básico

Anime con un modelo de proxy simple para mantener su flujo de trabajo ligero

Anime con un modelo de proxy simple para mantener su flujo de trabajo ligero

Manipular un modelo de alta resolución en la ventana gráfica puede terminar causando tensión en su sistema, especialmente cuando el modelo necesita deformarse y moverse con un esqueleto u otros deformadores complejos. Esto se nota más cuando intenta reproducir la animación en tiempo real y descubre que solo está viendo cada décimo fotograma.

Cuando trabaje con el movimiento general de su personaje, oculte el modelo de alta resolución y en su lugar anime con un modelo proxy mucho más simple.

Esta podría ser una versión reducida del personaje, o incluso algunas casillas escaladas para ajustarse libremente a las proporciones, pero esta versión te permitirá trabajar de manera fluida en las áreas principales de movimiento antes de que luego recuperes el modelo de alto detalle para los detalles más finos. trabaja.

13. Anticipación, acción, reacción

Cada movimiento importante se puede dividir en tres áreas principales

Cada movimiento importante se puede dividir en tres áreas principales

Cuando desglosa cada movimiento importante, puede dividirse en tres áreas principales: anticipación, acción y reacción. Si tomamos un simple salto como ejemplo, el personaje se inclina primero para acumular poder, esto es la Anticipación. El salto en sí es la Acción y luego el aterrizaje, con el impulso que los empuja hacia adelante es la Reacción.

Este principio funciona con muchos movimientos, como lanzar un puñetazo o balancear un bate. También se puede utilizar en animaciones faciales e incluso exagerar para obtener un efecto más cómico.

14. Compense sus claves

Lograr el flujo natural de un elemento que se arrastra detrás de tu personaje, como una cola, puede ser complicado. La raíz permanece fija a la pelvis, pero el movimiento tiene que seguir hasta la punta como una ola.

Una forma rápida de lograr este movimiento es animar la base y luego copiar esta animación al resto de las articulaciones. Inicialmente, esto les dará a todos la misma acción, pero luego puede ingresar y editar los fotogramas clave en cada articulación, desplazándolos hacia adelante uno o dos fotogramas.

Básicamente, esto retrasa esa acción inicial en las articulaciones superiores, dándote el movimiento ondulatorio.

15. No forme todas las letras en el habla

Al animar la cara, y en particular la boca, es una buena idea tratar de no incluir todas y cada una de las letras de la palabra que dice el personaje. Esto puede hacer que la boca se mueva demasiado rápido y, a menudo, dar una apariencia errática.

Si observa a las personas mientras hablan, verá que sus labios no forman físicamente cada letra, sino que lo que obtiene es un movimiento más general y orgánico que fluye a través de la oración.

Tome un simple 'Hola', por ejemplo. Si pronuncia este saludo mientras se mira en un espejo, verá que sus labios forman más un H-E-O, con la lengua haciendo una breve aparición para hacer el sonido L.

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