Otoño Whitehurst

La llegada de Autumn Whitehurst a la escena de la ilustración fue un momento decisivo en la creatividad digital. Claro, ya había ilustradores digitales talentosos. Sin embargo, la combinación de Whitehurst de trabajo de líneas vectoriales, texturas delicadas y un ojo real para la belleza les dio a los directores de arte algo más: una especie de perfección digital de ensueño más allá de lo que la cámara es capaz de hacer. En 2002, Whitehurst conquistó el mundo de la ilustración y desde entonces ha estado trabajando duro para los clientes en los niveles más altos de la publicación de moda. También ha evolucionado su estilo, haciendo sus imágenes más simples, más claras y, nos atrevemos a decirlo, aún más bellas.

las dimensiones y la resolución del monitor afectan cómo

Artes informáticas: todo empezó en un restaurante, con una copia de Moda revista y un novio solidario. Cuéntenos sobre su gran salto a la ilustración.

Otoño Whitehurst: Me gradué con la intención de convertirme algún día en pintora, pero en ese momento estaba realmente enfocado en pagar facturas y ocuparme de mis préstamos estudiantiles. Así que trabajé durante varios años como camarera, maquilladora, pintora escénica y en preimpresión. Pero comencé a notar que algo estaba sucediendo en el mundo de la ilustración de lo que quería formar parte, particularmente en la ilustración de moda. Luego leí un artículo en una edición de British Moda que hizo girar mis ruedas. Tenía la revista bajo el brazo cuando salí a encontrarme con mi novio en un restaurante una noche, y me sugirió que hiciera ese acto de fe, y eso es exactamente lo que hice. Comencé a armar un pequeño cuerpo de imágenes, que publiqué en un sitio de portafolio en línea y el trabajo comenzó a llegar.



CA: ¿Cómo caracterizarías tu estilo inicial?

AW: Mi primer trabajo se basó principalmente en vectores. La comisión que cambió todo fue una de Ecko Red. Me pidieron que reinterpretara una foto de un modelo que me habían enviado. Estaba cubierta de una capa de sudor aceitoso y me cautivó la textura de su piel. Fue la primera ilustración en la que realmente hice parte de la [imagen], pero me gustó el contraste entre su carne y el negro plano de su ropa. Casi todos los encargos que siguieron fueron un ejercicio en el que intentaba aprovechar al máximo ese contraste.

CA: ¿Cuál es su enfoque del color?

AW: Amo el color. Me encantan las infinitas posibilidades que se crean cuando se yuxtaponen diferentes tonos uno al lado del otro: hay una conversación que ocurre, durante la cual hay gritos y murmullos. Tiendo a mantener mis opciones de color muy simples porque soy partidario de una paleta monocromática con un toque de algo en fuerte contraste, para hacer que esa área salte un poco.

CA: La última vez que hablamos, estabas renovando tu estilo. ¿Por qué decidiste evolucionarlo?

AW: Estaba empezando a recibir encargos [donde] el cliente quería que renderizara todo, y se me ocurrió que la forma en que estaba trabajando parecía contradecir el propósito de la ilustración. Parte del renderizado comenzó a parecerme innecesario, como si estuviera describiendo áreas de la imagen que hubieran sido más interesantes con mucha menos información visual. Quería reintroducir una cualidad lúdica y poder tomarme más libertades creativas.

CA: Simplificar su trabajo llegó en un momento en que muchos jóvenes ilustradores se estaban volviendo más decorativos. ¿Qué opinas de esa tendencia?

AW: Envidio a esos ilustradores. Personalmente, no puedo soportar tener que introducir tantos detalles en una ilustración, porque me abruman todas las opciones que implica. Es más fácil para mí concentrar mis esfuerzos en un área muy definida que nada en un campo de espacio vacío. Pero creo que el estilo de ilustración ornamentado es popular porque transmite con éxito el caos de la cultura juvenil. Sin embargo, hay un gran trabajo que surge de estas tendencias; No hace falta decir que puede ser peligroso para la carrera de un ilustrador si no logra superarla.

CA: ¿El nuevo estilo ha significado un cambio en para quién produces trabajo?

AW: Realmente no ha cambiado el tipo de cliente que tengo, lo cual me sorprende. Intentar evolucionar el [estilo] mientras todavía estoy trabajando ha sido un desafío tremendo; No quiero confundir a mis clientes [y sin embargo] tampoco quiero estancarme. Siempre les pregunto cuál de los dos estilos prefieren; si el proyecto está relacionado con la belleza o la moda, prefieren el estilo más simple.

Más recientemente, he recibido muchas solicitudes para hacer retratos de músicos masculinos, y el enfoque altamente renderizado se presta a la calidad más valiente que es necesaria cuando estoy dibujando hombres. Aunque mi base de clientes es la misma, ahora tengo más flexibilidad.

CA: ¿Qué personas creativas han inspirado tu trabajo?

AW: Me encantan los dibujos de George Grosz, siempre lo he hecho y siempre lo haré. Y era fan de Richard Gray mucho antes de considerar convertirme en ilustrador. Tiene una visión inagotable que nunca es aburrida. Mi más reciente enamoramiento es con Le Corbusier. Es el primer arquitecto [que] realmente me ha inspirado. Sin embargo, todavía no estoy muy seguro de qué hacer con esa inspiración, aparte de simplemente disfrutar de su trabajo. Nunca me hubiera imaginado que pudiera tener un cariño tan fuerte por el hormigón.

CA: ¿Hay creativos con los que te encantaría colaborar, historias que te gustaría ilustrar en particular o marcas con las que te gustaría trabajar?

AW: Nunca he considerado un esfuerzo colaborativo, aunque si pudiera, sería más probable que fuera con un diseñador porque no tengo ninguna habilidad de diseño, e imagino que trabajar con un diseñador me enseñaría a ver lo que hago con nuevos ojos. . Desafortunadamente, no estoy familiarizado con la gente del diseño, así que no puedo nombrar a nadie con quien me gustaría trabajar.

En cuanto a un trabajo que me encantaría abordar, lo más probable es que sea una etiqueta [como] Lanvin, porque la estética de Alber Elbaz es a menudo inusual pero hermosa sin ser demasiado recargada. Creo que también estaría feliz de dar rienda suelta al niño que hay en mí en algunos juguetes de vinilo, pero esa no es una faceta de mí que haya hecho pública todavía.

CA: Dicen que dentro de cada diseñador hay un ilustrador que intenta salir. Es un poco como las muñecas rusas: tal vez dentro de cada ilustrador hay un buen artista que intenta salir. Trabajando en el arte comercial como lo hace, ¿qué importancia tiene la integridad artística?

AW: Creo que la integridad artística es tremendamente importante porque las decisiones creativas que tengo que tomar deben ser sinceramente mías. Pero la parte de mí que invierto en mi trabajo comercial y mi trabajo personal viene de dos lugares diferentes. En mis esfuerzos comerciales, utilizo mis habilidades para responder las preguntas de otra persona, no las mías. En cualquiera de los dos, usaría las mismas habilidades, pero el enfoque sería completamente diferente. La libertad creativa en el contexto de un encargo no suelta por completo mi voz personal, pero me permite tomar decisiones inconscientes, que fluyen entre sí de manera más fluida.

CA: ¿Qué haces cuando obtienes un bloqueo creativo?

AW: Me esfuerzo lo más que puedo para fingir que no tengo ningún trabajo que hacer, porque suelo tener mis mejores ideas cuando estoy soñando despierto. Si eso no funciona, reviso mi carpeta de imágenes inspiradoras. Entonces también podría tomar un poco de vino y hacer algunos garabatos para ver si puedo generar algo útil. Y si eso tampoco funciona, me siento erguido en mi silla con una campana en mi dedo meñique hasta que me duermo.