Consejos de diseño conceptual para artistas

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La tarea principal de un artista de entornos de desarrollo visual que trabaja en animación es conceptualizar, diseñar y ejecutar un mundo creíble en el que vivan los personajes. Pero el éxito de estos conceptos de entorno no depende únicamente del nivel de habilidad de redacción del artista, es todo el paquete que hace que el producto final funcione de manera eficaz.

El desarrollo visual es simplemente la evolución visual desde una idea hasta el producto final. Por lo tanto, es crucial que la composición estructural de las obras de arte en desarrollo ocurra en este orden: concepto, diseño, técnica. Pensar que la técnica es la clave del éxito de la obra de arte es perder totalmente la marca.

Estos son mis consejos clave que apuntan hacia un proceso exitoso en la creación de conceptos y composiciones sólidas para la animación.



01. Arte conceptual = concepto + arte

Aquí el personaje principal es una necesidad de diseño; el secundario es un deseo de diseño

Aquí el personaje principal es una necesidad de diseño; el secundario es un deseo de diseño

El arte conceptual no se trata solo de lo épico o de su hermosa ejecución. Es una obra de arte que surge de un proceso de diseño, bien arraigada en una idea que respalda la historia. La prioridad del concepto se puede identificar así: necesidades y deseos. Lo que necesita la historia debe conceptualizarse primero. Luego, el artista proporciona sus deseos de diseño que se enfocan y respaldan la historia.

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Entonces, en la imagen de arriba, la necesidad de esta imagen es diseñar un hada asiática y su entorno mágico. Un segundo personaje es un deseo de diseño, para ejemplificar la escala y la dimensión. La elección del diseño del personaje secundario crea una afinidad relacional y familiaridad entre los dos.

02. Haz una investigación dinámica

Dibuja mientras investigas para que no

Dibuja mientras investigas para que no te ahogues en material de referencia

La investigación genera autenticidad en la evolución del diseño, desde el concepto hasta el producto final. Al igual que el viejo adagio de conocer las reglas primero antes de poder romperlas, tengo que aprender qué es real antes de poder diseñar o rediseñar un objeto o entorno.

La investigación da una visión de la funcionalidad. Lo que lo hace dinámico es cuando empiezo a dibujar y crear miniaturas mientras investigo. Esto evita que me atasque en el material de referencia. Confío en mis instintos artísticos cuando alcanzo un objetivo de diseño a partir de materiales de referencia, dejo de buscar más y comienzo a dibujar. Mi enfoque hacia el diseño mejoró al hacer esto.

03. Piensa dentro de la caja

Un recuento dentro y fuera de la caja de la historia del Titanic

Un recuento dentro y fuera de la caja de la historia del Titanic

Como artistas de desarrollo visual y diseñadores de conceptos, siempre se nos dice que pensemos fuera de la caja. Pero creo que esto solo es posible si el diseñador sabe lo que hay dentro de la caja. Y no solo para saber qué hay dentro, sino también para entender cómo funcionan esos objetos dentro de la caja.

A lo largo de los años, he aprendido a no salirme de la caja si lo que hay dentro todavía funciona. Al final del día, es la forma en que la historia / idea podría contarse de manera más efectiva lo que influye en sus elecciones de diseño, no si es una idea segura o 'afuera'.

Estos breves bocetos me dan dos trampolines para volver a contar la historia del Titanic. La primera imagen es la traducción dentro de la caja, con una narración literal de su situación actual bajo el agua. Alternativamente, puedo optar por la opción fuera de la caja creando una imagen yuxtapuesta de su supuesta descripción y su situación actual, encapsulada en un entorno clásico de barco en una botella.

04. Diseñe libremente

Diseña con tu brazo pero dibuja con tu muñeca

Diseña con tu brazo pero dibuja con tu muñeca

Una disciplina clave que he aprendido a lo largo de los años es diseñar con el brazo y dibujar con la muñeca. Hay un equilibrio dinámico de libertad y control en mi muñeca, y un equilibrio dinámico de libertad y control para encontrar el lenguaje de diseño correcto cuando el brazo se mueve libremente. Cuando me vuelvo perezoso y pierdo el brazo, la obra de arte tiende a ser estática y sin vida.

Estas imágenes son de un proceso de demostración de 90 minutos en un taller en vivo. El lienzo de 18x24 pulgadas me dio una buena cantidad de flexibilidad en los brazos. Luego tomé una foto de iPhone de alta resolución y transferí el archivo a Photoshop por valor y color.

05. Entender la composición

La perspectiva, la puesta en escena y el valor son claves para una buena composición

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La perspectiva, la puesta en escena y el valor son claves para una buena composición

Entender la composición es vital para la solidez estructural del diseño. Composición no es solo un término independiente que simplemente describe una disposición de formas y formas. En cambio, date cuenta de que la composición es perspectiva, valor, puesta en escena y color dispuestos armoniosamente, para contar la historia o la idea de manera más eficiente.

La perspectiva es la ubicación de la cámara y el tipo de lente que se está utilizando. Valor traduce la aplicación de la iluminación. La puesta en escena es la disposición de diferentes elementos en el lienzo utilizando la combinación de formas, tamaños y superposiciones, creando profundidad, dimensión y equilibrio. El color es la armonía de paletas y temperaturas.

06. Usa perspectiva

Un disparo de ángulo alto sugiere invencibilidad, fuerza, confianza y liderazgo, un disparo a la altura de los ojos da una percepción de normalidad, neutralidad y es identificable, y un disparo de ángulo bajo sugiere vulnerabilidad, debilidad, peligro y soledad.

Un disparo de ángulo alto sugiere invencibilidad, fuerza, confianza y liderazgo, un disparo a la altura de los ojos da una percepción de normalidad, neutralidad y es identificable, y un disparo de ángulo bajo sugiere vulnerabilidad, debilidad, peligro y soledad.

La perspectiva tiene un fuerte efecto psicológico en la percepción de los espectadores. Arriba, varias ubicaciones de cámara del mismo tema y entorno dan diferentes percepciones al espectador. El punto de vista son los ojos de la audiencia.

07. Juega con la percepción del espectador

Mi idea original para esta imagen era colocar al sujeto masculino a la misma distancia de la cámara, pero montado justo debajo de la dama en el puente. Sin embargo, esto dio la impresin de que

Mi idea original para esta imagen era colocar al sujeto masculino a la misma distancia de la cámara, pero montado justo debajo de la dama en el puente. Sin embargo, esto dio la impresión de que ya había llegado a su destino. Así que, en cambio, lo moví un poco hacia la izquierda. Dio una pista de que no ha completado su viaje, pero está a punto de llegar a su destino muy pronto. También ayudó a crear una percepción de movimiento en la pintura.

La estética visual es el estudio de cómo interactúan los elementos compositivos (valor, perspectiva, puesta en escena y color) y las reacciones de la audiencia ante ellos. No es suficiente entender la composición y esperar ser narradores visuales eficaces. Más bien, es importante comprender la percepción: cómo reacciona la audiencia a la composición.

El uso inadecuado de la composición resultará en una percepción selectiva de la audiencia. La percepción selectiva da como resultado un contexto selectivo. Y el contexto selectivo significa que la audiencia tendrá diferentes interpretaciones de la historia / idea. Con el uso adecuado de la estética visual, las opciones de composición se vuelven intencionales y direccionales hacia la percepción deseada.

Cuando el artista controla la visión selectiva, el mensaje visual se vuelve subjetivo. Subjetivo significa percepción controlada. La percepción controlada da como resultado un contexto controlado, y esto significa que la audiencia tendrá una interpretación singular de la idea de la historia.

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08. Conoce las reglas del valor

Su composición de valor determinará el éxito de su composición de color.

Su composición de valor determinará el éxito de su composición de color.

El valor es la claridad u oscuridad de un color. Cada color tiene un valor correspondiente y esa claridad u oscuridad depende de la cantidad de iluminación aplicada al color. Las tres reglas importantes de valor son:

  1. Controla los puntos focales, generalmente el área más brillante, el contraste más alto o cuando un valor predominante encierra un valor opuesto
  2. El valor da la ilusión de una forma tridimensional, cuando muestra la superficie siendo golpeada por la luz y la superficie bajo las sombras.
  3. El valor crea la ilusión de profundidad (alterar el rango de oscuridad y luz crea distancia)

La percepción del estado de ánimo o la emoción de la historia que se cuenta en el lienzo se establece mediante la iluminación aplicada traducida en valores. El éxito de la composición del color depende de la composición del valor.

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